Grandes Cantantes Hispanos, Marco Antonio Solis

Marco Antonio Solís (Ario de Rosales, Michoacán, México, 29 de diciembre de 1959) es un cantautor, actor, músico, compositor y productor musical mexicano, también conocido por su apodo artístico El Buki.

Fue fundador del grupo Los Bukis, del cual era la voz principal, productor, compositor de la mayoría de las canciones; al inicio tocaba los teclados, posteriormente las percusiones y la guitarra.

Como productor y autor, han grabado sus canciones reconocidos artistas de habla hispana como Marisela, Beatriz Adriana, Lucero, Paulina Rubio,Enrique Iglesias, Raphael, Rocío Jurado, Rocío Dúrcal, Alejandro Fernández, Pepe Aguilar, Maná, Olga Tañón, Enanitos Verdes, Roberto Carlos, entre otros.

Fue coach en la tercera temporada de La Voz... México, junto con intérpretes internacionales como David Bisbal, Alejandra Guzmán y el dúoWisin & Yandel.

Los inicios de Marco Antonio Solís se remontan a 1970, cuando él y su primo Joel Solís deciden formar Los Hermanitos Solís, haciendo su debut televisivo en el programa «Siempre en domingo».

En 1971, firman exclusividad con la empresa discográfica Discos Melodycon el nombre «Los Bukis»; esta última palabra deriva de la denominación que se le da en el norte de México a los niños. Posteriormente graban un LP titulado «Jugando con las estrellas», este disco incluía temas compuestos por Marco Antonio.

Posteriormente graban «Casas de cartón», incluyendo 2 temas inéditos y 8 versiones; ambos temas inéditos fueron compuestos por Marco Antonio y uno de ellos, «Falso amor», una de las canciones más reconocidas del grupo. Una de las versiones y que le dio el título al disco fue «Casas de cartón» del músico y cantautor venezolano Alí Primera. En 1976, con el tema «Falso amor», se hacen populares en Centro y Sudamérica.

El segundo LP con el grupo «Los Bukis», se llamó «Te tuve y te perdí» al que le siguió «Me siento solo», de donde se desprende el tema «La indiecita». Su cuarta producción fue «Los triunfadores», al cual pertenecen los temas «Triste imaginar» y «Las holgazanas». Posteriormente vendría «Mi najayita», su quinta producción en la cual incluían los temas «Estabas tan linda» y «Mi Najayita». Su sexta producción se llamó «Presiento que voy a llorar», a la que le siguió «Yo te necesito»; en su séptima producción se incluyeron los temas «Te esperaré» y «Yo te necesito».

En 1984, bajo contrato con la empresa Fonovisa "Los Bukis" graban su octavo LP titulado «Mi fantasía», que incluyó el tema «Necesito una compañera»; al año siguiente, en 1985, publican su álbum «¿A donde vas?».

Dos años después, en 1987, «Los Bukis» publican su décima producción titulada «Me volví a acordar de ti»; disco que se convirtiera en un suceso de ventas por incluir el tema «Tu cárcel», superando el millón 350 mil copias vendidas; éste disco les hizo merecedores a un "Disco de Diamante".

Posteriormente vinieron Si Me Recuerdas, con el éxito Y Ahora Te Vas Y Para Siempre Los Bukis tuvo como éxito Como Fui A Enamorarme De Ti y A Donde Vayas. A Través De Tus Ojos que dio éxitos a temas como Mi Deseo Y Chiquilla Bonita.

Al paso de los años, el grupo fue evolucionando y en ese proceso fueron surgiendo cambios en su estructura y la agrupación quedó conformada con Marco Antonio Solís como director, voz solista y guitarra; Joel Solís guitarra y voz; Eusebio "el chivo" Cortez en el bajo eléctrico; Pedro Sánchez en la batería; Roberto Guadarrama en las segundas voces, trompeta, y teclado electrónico y Jose "Pepe" Guadarrama en la segundas voces, saxophone y percusiónes.

A lo largo de su carrera Los Bukis fueron nominados varias veces a los Premios Grammy por su éxito alcanzado en los Estados Unidos, además recibieron varios Premios Lo Nuestro que otorga la revista BILLBOARD, y la promoción hizo que se colocaran algunas de sus interpretaciones en primer lugar en distintos países de Sudamérica, que los hicieron acreedores de varios Discos de oro. Sus grandes éxitos, llevaron a Los Bukis a incursionar en el cine en 1990 con la cinta Como fui a enamorarme de ti, basada en la canción homónima escrita por Marco Antonio Solís. La cinta fue presentada meses más tarde en Los Ángeles, California alcanzando éxito de taquilla y tres meses después fue premiada como la película con mayores ventas en la taquilla mexicana en todos los tiempos.

El grupo dio a conocer su siguiente trabajo Quiéreme producido totalmente por el artista, al que siguió Inalcanzable y luegoPor amor a mi pueblo, disco que marcaría el fin de la carrera de la agrupación ya que Marco Antonio Solís decidió lanzarse como cantante solista.

Luego de ser disuelto de común acuerdo el grupo, Marco Antonio Solís se inicia como solista con el lanzamiento de su primer disco “En pleno vuelo” que salió a la venta el 24 de julio de 1996 y en menos de una semana vendió medio millón de unidades, logrando ocupar los principales lugares en la lista de temas latinoamericanos de Billboard en Estados Unidos. A este álbum, siguió en 1997 su disco “Marco Antonio Solís” uno de cuyos temas "La venia bendita" ocupó durante más de 25 semanas en el primer lugar de popularidad en Estados Unidos.

En 1999 graba y presenta "Trozos de mi alma" en el que interpretó temas suyos que había dado a cantantes como Olga Tañon, Enrique Iglesias, Rocío Dúrcal, Dulce y Marisela, entre otros. 

El tema Si no te hubieras ido se convirtió en la canción más tocada en las radios tanto en los Estados Unidos como en México. Además fue seleccionada para la banda sonora de la película mexicana "Y tu mamá también".

En 2000 realizó diversas giras y presentaciones personales en los Estados Unidos, México y América Latina y presentó su disco “Marco Antonio Solís en vivo”. El 29 de mayo de 2001, su álbum "Más de mi Alma" logra colocarse nuevamente en los primeros sitios de popularidad con el tema "O me voy, o te vas". El 13 de mayo de 2003, es editado por parte de la empresa Fonovisa el álbum "Tu amor o tu desprecio" al que sigue en 2004, "Razón de sobra".

En 2005 se presenta con rotundo éxito en el Festival de Viña del Mar en Chile, llevándose todos los reconocimientos de Antorchas y Gaviotas de Plata otorgados por el mismo público. De ahí pasa a presentarse con gran éxito a Buenos Aires, Argentina al legendario "Luna Park" desde donde a petición del público Argentino se convierte de los primeros artistas internacionales en visitar toda el interior del país, desde la tierra del fuego al sur, hasta Jujuy y Misiones al norte. Después de dos años sin grabar, en 2006, presenta «Trozos de mi alma 2», el cual es un disco que sigue el concepto de su antecesor lanzado en 1999, con la adición del acompañamiento de orquesta sinfónica.

En 2007, Solís presenta una compilación de sus temas más conocidos titulada "La historia continúa, parte 3". Ese año la Academia Latina de la Grabación que otorga los premios Grammy Latino, organizó una presentación con diversos intérpretes latinos que interpretaron conocidos temas del cantautor como: Paulina Rubio, Lucero, Olga Tañon, Juanes, Enrique Iglesias, Ana Barbara, Alejandro Fernández, el Grupo Intocable, y Montez de Durango entre otros artistas.

En 2008 Marco Antonio Solís inicia el Tour 2008 en León Guanajuato, México, el 30 de enero de ese año con el cual recorrería diversos países hispanoparlantes. Ese mes, el pianista argentino Raúl Di Blasio presenta un disco con dos temas de Solís y que incluyen la voz del artista. Se presenta como artista contratado en el Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar el 24 de febrero, para seguir con su último trabajo discográfico en formato DVD, que saliera a mediados de año titulado «Una noche en Madrid», grabado durante su gira en España, que salió a la venta el 10 de junio de 2008 y que obtuvo buena difusión.

A finales de agosto de ese año, como desmostración de su popularidad en su país natal fue realizada en la ciudad mexicana de San Luis la Primera Convención Internacional de Fans de En Pleno Vuelo, que es la organización oficial que reúne al público seguidor del artista. 

Concluyó el año 2008 con su producción "No molestar" con una temática similar a la de sus anteriores producciones, encabezada por el tema homónimo interpretado en ritmo de bolero y danzón cubano. En 2009 inicia su actividad con una serie de giras que llevó el título de este disco, en las principales ciudades de México y Sur América, llegando a Chile y permaneciendo por más de un mes en Argentina donde se presenta en distintas provincias del centro y sur de aquel país. Cabe destacar que durante esta gira, Marco Antonio Solís, fue reconocido por sus altas ventas de discos con 10 discos de oro, platino y doble platino.

Para el 26 de mayo de ese mismo año, se presenta «No molestar» en una denominada Edición de lujo, que incluye un tema inédito y un disco DVD con los videos de los temas No molestar y Si me puedo quedar. Participa en la Segunda Convención Internacional de fanáticos, realizada en la Ciudad de México. 

El 3 de noviembre de ese año, al cumplir el artista 33 años de trayectoria artística, la empresa discográfica Fonovisa presentó el álbum especial Más de Marco Antonio Solís en formato de CD y DVD con 18 de sus composiciones más conocidas y 5 videos. En el mes de diciembre, periodistas de la revista Billboard lo designan como Artista de la Década por los diversos reconocimientos obtenidos en su carrera artística.

Solís es uno de los mayores vendedores de álbumes en Chile, donde sus trabajos lanzados entre 2000 y 2013 acumulaban ventas totales de 210 000 copias. Hasta entonces, tres de sus álbumes figuraban entre los diez más vendidos en formato físico en el país durante el siglo XXI; ellos fueron: La historia continua, La historia continua II y Razón de sobra, los que se ubicaron en el segundo, séptimo y noveno lugar con ventas de 80 000, 35 000 y 33 000 copias, respectivamente.

Actualmente presentando con un rotundo éxito su reciente trabajo discográfico “En total plenitud” el cual fue presentado y lanzado al mercado el 12 de octubre de 2010, el cual cuenta con 10 temas de la autoría de Marco Antonio Solís; como así también de Juan Carlos Calderón. De este nuevo material discográfico se desprendió el 28 de junio de 2010 su primer corte de difusión A donde vamos a parar que además de ser elegido como tema principal de la telenovela Teresa producida por Televisa, en pocas semanas se logró ocupar los primeros puestos de popularidad en cadenas de radio y televisión de México y Latinoamérica, teniendo gran aceptación por parte de su público.

Durante el mes de agosto lanzó al mercado: Marco Antonio Solís… sus mejores videos un DVD con los mejores videos clips de su exitosa carrera. Retomó la gira de conciertos planeados para México, Estados Unidos y América del Sur, para cerrar sin lugar a dudas el 2010 como el «año de oro» de Marco Antonio Solís.

Comenzando esta extensa gira de conciertos, el punto de partida ha sido México, donde con gran éxito comenzó la aventura de este año para posteriormente regresar al Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde se presentó con gran éxito por tercera ocasión en 2011. Obteniendo así dos antorchas y una gaviota de plata. Se presentó nuevamente en 2016 obteniendo gaviota de plata y oro.

Elegido como «Artista de la década» por los Premios Billboard Latinos 2011, por sus más de 30 años de trayectoria musical y la permanencia en los primeros lugares de popularidad. Galardonado con la entrega de los premios ASCAP 2010 celebrados en Beverly Hills. Considerado como Mejor artista grupero del año con el premio Lo Nuestro 2011 que se dio lugar en la ciudad de Miami. 

Marca la historia de la música mexicana en LOS TR3S, gira que dio nombre a la gira que Marco Antonio Solís, Joan Sebastian y Alejandro Fernández realizaron en los Estados Unidos, demostrando ser los tres grandes de la música mexicana reuniendo a más de 100 mil personas en todas sus presentaciones.

El 22 de octubre de 2013 lanzó su álbum Gracias por estar aquí y debutó en el #1 del Top Latin Albums Chart de Billboard.

Grandes Cantantes Hispanos Ney Matogrosso

Ney de Sousa Pereira, conocido como Ney Matogrosso, (Bela Vista, 1 de agosto de 1941) es un cantante brasileño. Adoptó su nombre artístico en 1971, cuando llegó a São Paulo. El nombre Ney Matogrosso se debe al nombre de su Estado natal (Mato Grosso del Sur).

Ney Matogrosso: "Mi música es un acto de enfrentamiento consciente"

Hijo del militar de carrera Antônio Matogrosso Pereira, veterano de la Segunda Guerra Mundial. Desde pequeño ha mostrado vocación artística:cantaba, pintaba, interpretaba. Su niñez y adolescencia fueron marcadas por la soledad, hasta cumplir 17 años, cuando dejó la casa de su familia para ingresar en la Fuerza Aérea Brasileña.

En ese momento, no tenía idea de lo que hacer de su vida. Le gustaba el teatro y cantaba ocasionalmente, pero llegó a trabajar en el laboratorio de anatomía patológica del Hospital de Base de Brasília, invitado por su primo.

Después de algún tiempo fue invitado a participar de un festival universitario y llegó a crear un cuarteto vocal, contra las protestas de su profesora de canto y a pesar de que el director del coro del cual formaba parte elogiase su voz especial. Después del festival hizo un poco de todo, hasta actuar en un programa de televisión. También concentró su atención en el teatro, decidido a ser actor. Siguiendo este sueño desembarcó en Río de Janeiro en 1966, donde pasó a vivir de la confección y venta de piezas de artesanía en cuero. Ney adoptó completamente la filosofía de vida hippie.

En este período, vivió entre Río de Janeiro, São Paulo y Brasília, hasta que conoció a João Ricardo; João buscaba un cantante de voz aguda para un conjunto musical y lo invitó para ser el cantante del grupo Secos e Molhados.

Liderados por João Ricardo e Ney Matogrosso

Dejó Secos e Molhados al año siguiente, después del gran estruendo que la banda causo en todo el país. En 1975 lanzó su primer disco solista, llamado "Água do Céu-Pássaro". El disco venía en una tapa de cartón rústico, con Ney Matogrosso pintado, vestido con pelos de mono, cuernos, pulseras de dientes de vaca. Fue considerado demasiado extravagante y pasó desapercibido para el público. 

En la banda que lo acompañó en este álbum, además de destacados músicos brasileños como el trompetista Marcio Montarroyos, participó el guitarrista argentino Claudio Gabis. En 1976 vino el reconocimiento con el disco "Bandido". La canción "Bandido Corazón", compuesta por Rita Lee se volvió un gran éxito en la voz de Ney. 

Todavía en esa época Ney escandalizaba a Brasil. Ney terminó la década de los 70 y comenzó la de los 80 totalmente transgresor, siendo amenazado varias veces por el régimen militar. En ese período Ney lanzó algunos de sus mayores éxitos: "Homem com H", "Calúnias", "Bandoleiro", "Espinha de bacalhau" (con Gal Costa), "Retrato Marron", entre otros.

Es en 1987 que Ney Matogrosso entra en una nueva fase: con el LP "Pescador de Pérolas", él muestra una faceta más segura. Abandona el maquillaje, empieza a vestir ternos y corbata y atrae un nuevo público. 

A partir de ahí, Ney se consagró como uno de los mejores intérpretes de la MPB y también el más versátil. Durante la década de los 90 tocó con Rafael Rabelo, grabó un CD con canciones de Ángela María, grabó un CD solista con temas de Chico Buarque (el elogiadísimo CD "Um Brasileiro), grabó canciones de Cartola, y realizó una antología de sambas de los años 20 y 30. En 2004 volvió a los medios con el proyecto "Vagabundo", en el que canta con el grupo carioca "Pedro Luís e a Parede".

La gran marca de Ney es su voz aguda y sus interpretaciones marcantes, además de un fuerte apego a la sensualidad en escena.

Ney mantiene, en el Estado de Río de Janeiro, un área de preservación ambiental para los monos leones dorados, especie que llegó a estar en peligro de extinción.

Grandes Cantantes Hispanos Los Flamingos

Desde la canción melódica al humor es el trayecto que describieron durante sus diez años de carrera Los Flamingos, conjunto vigente entre 1955 y 1965 por cuya alineación pasaron integrantes como el autor y compositor Ariel Arancibia y, en sus inicios, el futuro comediante Armando Navarrete, quien luego ganaría fama gracias a su personaje de Mandolino en el programa de televisión “Sábados gigantes”.

Integrantes

Ariel Arancibia,Armando Navarrete,  Ernesto Vera,

Eduardo Casas y Juan Patiño

Según establecen Juan Pablo González, Oscar Ohlsen y Claudio Rolle en el libro Historia social de la música popular en Chile, 1950-1970 (2009), el conjunto fue parte de un contingente de músicos chilenos que en su época emprendieron frecuentes giras internacionales. Los Flamingos en particular trabajaron y se establecieron en Argentina entre 1959 y 1962.

Ariel Arancibia permaneció en el grupo entre 1956 y 1960, y luego el cuarteto entre Armando Navarrete, Ernesto Vera, Eduardo Casas y Juan Patiño dio vida a la alineación desde 1960 en adelante. 

De acuerdo con los autores citados, a su regreso a Chile en 1962 Los Flamingos se dedicaron al humor y trabajaron en televisión, como protagonistas del programa “De fiesta con Los Flamingos”, dirigido por Eduardo Tironi (padre) y emitido por Canal 13.

Uno de los mayores éxitos de su carrera data de 1959 y es “Marcianita”, canción de los autores y compositores chilenos Galvarino Villota y José Imperatore que, en ese solo año, fue registrada en tres versiones distintas, según González, Ohlsen y Rolle: la de Los Flamingos, grabada para el sello RCA Victor, y las de los cantantes de rock Billy Cafaro y Sérgio Murilo en Argentina y Brasil respectivamente, antes de una espiral de nuevas grabaciones internacionales por cuenta de gente como Caetano Veloso, Os Mutantes, Seru Giran y Mauricio Redolés entre otros.

Para el mismo sello RCA Victor Los Flamingos grabaron luego elepés como ¡Ritmo y alegría! y canciones de títulos como “Aquel romance”, “Siempre contigo”, “Atardecer”, “Compréndeme”, “En el fondo del mar”, “Hey tú” y “Sólo una mirada”. Esta última fue ganadora del Festival de la Canción de Viña del Mar en 1963, dos años antes de la separación del conjunto, y cuando ya Ariel Arancibia desarrollaba una prolífica carrera como autor y compositor de canciones para artistas tan diversos como Los Huasos Quincheros y los astros juveniles de la Nueva Ola.

Mayor notoriedad consiguió Armando Navarrete, quien con el advenimiento de la televisión creó el personaje de Mandolino en el programa “Sábados gigantes”, donde protagonizó por décadas una popular dupla humorística con el animador de ese show, Mario Kreutzberger, Don Francisco. Después de trabajar en el programa durante los años ’70 y ’80, el comediante continuó su carrera por cuenta propia y se radicó en 2010 en Honduras, el país donde el 15 de marzo de 2014 murió a causa de un infarto, a los ochenta años. 

Millones de chilenos ese día recordaron a Mandolino, personaje que hizo reir a generaciones en la televisión, pero aquella fue también la despedida de una carrera que Armando Navarrete había iniciado años antes, como un juvenil cantante melódico en las filas de Los Flamingos.

Grandes Cantantes Hispanos Los de Ramón

Los de Ramón

La figura de la “OEA chica” con que se conoció a este conjunto es mucho más que una anécdota de la historia. Los de Ramón fueron ciertamente el primer proyecto de investigación e interpretación de la música de folclórica latinoamericana que se tenga registro.

Una verdadera organización de estados americanos sintetizada en este núcleo familiar de músicos encabezados por Raúl de Ramón, y que de paso generó el impulso definitivo para cultores del folclor regional, indistintamente de si pertenecieron a las articulaciones del Neofolklore y la Nueva Canción Chilena. Si desde los años ’60 la música de raíz chilena llegó a buscar referentes en manifestaciones similares tras los Andes, Los de Ramón representan el punto cero.

Integrantes

Raúl de Ramón, voz, guitarra, guitarrón, bandurria (1956 – 1971).
María Eugenia Silva, voz, guitarra, charango, cuncuna (1956 – 1971).
Carlos Alberto de Ramón Silva, charango, cacharaina, cuatro (1963 – 1971).
Raúl de Ramón Silva, guitarra, acordeón, tambor (1965 – 1971).

El linaje del primer dúo

El conjunto se inició formalmente en 1956, como un dúo entre Raúl de Ramón  y su mujer, María Eugenia Silva . Las familias de ambos estaban ligadas a la vida de campo en Colchagua. 

Mientras el pequeño de Ramón se sumergía en el repertorio de tonadas campesinas con el modelo de Los Cuatro Huasos muy presente, Silva tenía un sólido backgrounden óperas italianas y zarzuelas españolas. Juntos interpretaban canciones de raíz folclórica en reuniones sociales privadas, las mismas que decidieron presentar formalmente como espectáculo en 1956, tras un viaje por Latinoamérica revelador para un joven Raúl de Ramón cuya profesión de arquitecto ya iba en retirada. 

La música sería su nuevo eje. Y María Eugenia Silva, quien había estudiado leyes, iba tras el proyecto con su reconocida voz.

De Ramón y Silva se configuraron como uno más de los dúos folclóricos activos desde los años ’30, como el Dúo Rey-Silva, el Dúo Leal-Del Campo o el Dúo Bascuñán-Riquelme. Ellos serían el Dúo de Ramón-Silva. Pero para entonces ya eran un matrimonio establecido, y en definitiva el medio los conoció simplemente como “los de Ramón”, nombre que terminaron por adoptar. Su primera actuación formal se registró en el Hotel Carrera. Luego otra aparición en Radio Minería les generó gran difusión.

Era un dúo de guitarras o instrumentalmente variable y abierto, que utilizaba la cuncuna (acordeón de botones) y el charango, ejecutado por María Eugenia Silva prácticamente diez años antes de que llegara a las manos de los principales cultores de la música andina en Chile.

Los de Ramón fueron únicos en su contexto, pues a mediados de los años ’50 ninguno de los conjuntos folclóricos chilenos tenía un repertorio abierto a la región americana, y eso quedó reflejado en su primer álbum, grabado para RCA Victor, Los de Ramón (1960). Allí interpretaron doce piezas folclóricas de todo el continente: “Señora María Rosa” (pasillo colombiano), “Florecita blanca” (tamborito panameño), “La nochera” (zamba argentina), “El marañón” (rumba cubana), “El negrito del Batey” (merengue dominicano), “La flor de la canela” (vals peruano) o “El sol y la luna” (cueca chilena) confirmaban la amplitud interpretativa del dúo, a la que habían accedido principalmente gracias a los viajes de estudio por el cono sur. 

Un par de años antes, la prensa nacional ya destacaba al grupo como “dominador del folklore de 20 países de América Latina” o los investía como el único conjunto “capaz de interpretar canciones típicas con instrumentos y trajes típicos de todas las regiones del continente”.

Arreo nostálgico

En 1961 editaron Fiesta venezolana junto al arpista venezolano Ernesto Torrealba, y en 1962 iniciaron una gira programada para diez días que se extendió por ocho meses y los llevó a actuar en Nueva York y Chicago. 

Los de Ramón ya tenían una categoría consular y se presentaban en los exclusivos espacios de clubes sociales, embajadas y hoteles, frente a un público en esencia culto: folclor para intelectuales y reconocidas personalidades. 

Su instrumental había crecido exponencialmente: de las dos guitarras iniciales, charango y cuncuna, ahora había un enorme arsenal. En un escenario común y corriente, Los de Ramón podían tener tiples, cuatros, bongóes, badolas, bandurrias, tumbas, kultrunes, guitarrones. No hay un total definido. Más de treinta instrumentos, treinta sonoridades para las canciones que interpretaban Raúl y María Eugenia.

En 1962 y 1963 aparecieron los discos Arreo en el viento (considerado por Ricardo García, del programa “Radiomanía”, como el mejor álbum de música chilena del año) y Nostalgia colchagüina. Por primera vez, Raúl de Ramón se aventuraba en la autoría de canciones de raíz. Su eje, esta vez, estaría en la zona central, en las aproximaciones de Santa Cruz, la tierra donde había vivido su niñez y juventud. 

De Ramón llegó a “crear” formas musicales a las que llamó “arreo”, “diálogo”, “galopito”. Él era motor creativo del repertorio; ella, la gracia y el magnetismo.

En 1963 apareció por primera vez la figura de Carlos Alberto de Ramón Silva , el primogénito de la familia, de apenas once años. 

Es el momento en que Raúl de Ramón preparaba una segunda etapa para su conjunto con la incorporación de sus hijos, con lo que en 1965 se transformaría en el cuarteto Los de Ramón: una familia completa, como de hecho las hubo siempre en el folclor chileno, aunque esta vez con el enorme beneplácito medial. 

El contexto los ubica junto a los nuevos conjuntos del Neofolclor, Los Cuatro Cuartos, Los de Las Condes, Las Cuatro Brujas, Los Cuatro de Chile, Los Huasos Quincheros, aunque ya hombres como Rolando Alarcón (de Cuncumén) y más tarde unos iniciados Inti-Illimani, asociados al movimiento de la Nueva Canción Chilena, recogen aprendizajes directos de Raúl de Ramón.

La proyección del nuevo cuarteto

Con los pequeños Carlos Alberto de Ramón Silva (de trece años) y Raúl de Ramón Silva , de… ¡siete! grabaron los discos Paisaje humano de Chile (1966) —donde aparecía la más célebre de las melodías de de Ramón, “El curanto”—, Los de Ramón en familia (1967) y El arca de Los de Ramón (1968). Fueron sus últimos grandes momentos, antes de los acontecimientos que confluyeron en la disolución del conjunto: la separación de Raúl de Ramón y María Eugenia Silva, la expropiación del fundo de Chomedahue en 1970 y la instalación del restorán El Alero de Los de Ramón en 1971.

Los hijos habían crecido y ya no podían posponer por actuaciones sus estudios. Los padres se centraron en este nuevo punto de encuentro en lo alto de la comuna de Las Condes, y aunque se mantuvieron cantando informalmente en ese escenario, el fin del cuarteto estaba anunciado. Sólo algunas apariciones posteriores y muy intermitentes en programas como “Chilenazo” posibilitaron la rearticulación del grupo. De Ramón ya tenía un nuevo conjunto: Los Hidalgos.

El 19 de abril de 1984, víctima de complicaciones de una diabetes, falleció el patriarca y sepultó para siempre la posibilidad de reunión de Los de Ramón. El último estudio de investigación musical sobre la expriencia iniciática de De Ramón y su grupo folclórico fue realizado por el periodista Eugenio Rengifo (miembro histórico de Los Huasos de Algarrobal) y la historiadora Catalina Rengifo, en el libro titulado Los de Ramón. Un arreo en el viento.

Grandes Cantantes Hispanos Monna Bell

Monna Bell. Cantante de origen chileno famosa durante las primeras décadas del siglo 20 y cuyo verdadero nombre fue Nora Escobar.

“LA MONTAÑA”

La cantante chilena Monna Bell nació en Chile el 23 de enero de 1938, en la ciudad de Santiago de Chile. Desde niña mostraba afición por la música por lo que en su adolescencia comenzó a participar en los concursos radiales. Más tarde apareció cantando en varias orquestas y su voz delicada y con una afinación increíble rápidamente fue aceptada por la crítica especializada, pasando así a ser una primera figura de la canción.

A mediados de los años 50 y cuando todavía era una adolescente La chilena Monna Bell participa en un concurso de búsqueda de talentos que programó la llamada entonces emisora de radio (radio minería), la que contaba con mayor popularidad por ese entonces. Al ser escuchada la maravillosa voz y el estilo muy particular de la cantante, los oyentes quedaron cautivados rápidamente, catapultándola a los primeros lugares de las listas de éxitos de su país y convirtiéndola rápidamente en una de las principales estrellas de los show en vivo de la estación.

Monna Bella logró arrastrar a su club de amigos a un sin número de artistas y compositores famosos que vieron en ella una posibilidad segura de éxito, entre esos compositores estuvo El divo de Juárez Juan Gabriel quien quiso poner un remedio al retiro de Monna Bell, invitándola a participar como artista principal en sus presentaciones en Estados Unidos y América Latina, de ahí nacería una bella y duradera amistad entre el cantautor y la bella Monna. Juan Gabriel incluso produjo un álbum nuevo para la gran cantante, pero la producción ocurrió en los años en los que Juan Gabriel se encontraba peleando sus derechos de autor, por lo que la industria no veía sus proyectos con el valor que tenían.

Trayectoria

Monna Bell fue invitada en el año 1956 a unirse a un grupo vocal para realizar una gira por Nueva York, el éxito fue de tal modo que la intérprete tubo que extender la temporada por un año llegando ofertas para iniciar una nueva gira por Europa. Participó también en el Festival de la canción de Benidorm en Playa Alicante, España y en donde cantó la canción telegrama, ganando todos los premios puestos en disputa. La grabación de este fonograma fue éxito total en Europa y América Latina haciendo de Monna Bell una de las máximas artistas de la época.
Cine y televisión.

La cantante Monna Bell también dejó huellas en la televisión haciendo presentaciones en vivo en programas televisivos, y de 1962 a 1964 realizó tres películas en México e hizo contratos con las firmas Musart y Orfeón.

Discografía

Allá por el año 1959 estaba en plena fama el grupo Los Platters y Monna graba con ellos el conocido tema Mi oración que fuera el tema de la película Anastasia, también grabó números musicales tan famosos como Silencio Corazón, Noches de Ypacarai, Aún te sigo amando y Envidia.

Fin de la carrera

Infelizmente para los últimos años del siglo 20 la velocidad de la fama de Monna Bell fue disminuyendo, siendo olvidada por completo por los medios de prensa escrita, las televisoras y las emisoras de radio incluyendo a su publico, echando por tierra todo un trabajo meritorio en el mundo del arte, sin reconocer que la Chilena había sido considerada una de las voces más completas de su época. La artista decide retirarse en 1980.

Muerte

En los inicios del año 2008, Monna Bell es intervenida quirúrgicamente por presentar cáncer de Colon de donde sale victoriosa y se recupera satisfactoriamente, sin embargo en el mes de abril de ese mismo año, sufre de una embolia que le segó la vida un día 21 de abril de 2008.

Grandes Cantantes Hispanos Carlos Gardel

También en la época destacaba José Razzano, llamado 'El Oriental', con fama de cantante de tangos. En el año 1913 se celebró un duelo entre ambos en la calle Guardia Vieja de Buenos Aires (hoy calle Carlos Gardel), no se dio como vencedor a ninguno de los dos. Formaron un dúo que trabajó durante quince años. Al enfermar Razzano Gardel siguió su carrera en solitario. Algunos tangos de los que es autor son: Mano a mano (1920), Desdén (1930), Melodía de arrabal (1932) y Volver (1935).

Carlos Gardel

(Charles Romuald Gardès; Toulouse, Francia, 1890 - Medellín, Colombia, 1935) Cantante, compositor y actor argentino de origen francés o tal vez uruguayo; según esta segunda hipótesis, habría nacido en 1887 en Tacuarembó. A finales de la década de 1920, la identificación de Gardel con el tango era ya un fenómeno de ámbito universal. Desde entonces nunca ha dejado de reconocerse su papel esencial en el desarrollo y difusión del tango y su condición de mejor intérprete de la historia del género. Como suele suceder con las figuras de tan enorme dimensión popular, la biografía del "zorzal criollo" está teñida de leyendas, y su fama póstuma apenas ha menguado con el paso de las décadas. Durante muchos años fue habitual ver cómo mucha gente peregrinaba hasta la tumba de Carlos Gardel para pedirle salud y trabajo; en Argentina, la expresión "es Gardel" equivale a "es incomparable".

Carlos Gardel

Carlos Gardel tuvo esa infancia castigada por la adversidad que parece caracterizar a todo héroe arrabalero y triunfador. Su madre, Bèrthe Gardès, nunca llegó a saber con exactitud quién era el padre de aquel hijo nacido el 11 de diciembre de 1890 en el hospital de La Grave (Toulouse) y bautizado con el nombre de Charles Romualdo, si bien una parte importante de los estudiosos sostiene que los datos anteriores son una fabulación encaminada a ocultar su condición de hijo ilegítimo de Carlos Escayola y María Lelia Oliva, y que en realidad nació el 11 de diciembre de 1887 en Tacuarembó (Uruguay).

Más tarde, en los suburbios de la ciudad de Buenos Aires, adonde Bèrthe Gardès huyó en busca de unas migajas de fortuna cuando Gardel aún no había cumplido los tres años, se resignó a ver cómo su vástago o su hijo adoptivo correteaba entre las casuchas de Retiro, Montserrat o Los Corrales, y se buscaba la vida pateando calles destartaladas y sucias, creciendo con resentimiento, congoja e inseguridad.

Charles se convertirá pronto en Carlitos, un muchacho despierto, simpaticón e irascible cuya única ansia consiste en alcanzar el lujo de los ricos y ganar montañas de dinero. Con dieciocho años desempeña toda clase de pequeños trabajos y ya deja oír su aterciopelada voz en esquinas, reuniones familiares y garitos. Detesta el trabajo duro, rinde culto al coraje, santifica la lealtad a los amigos y se esfuerza por imitar a los adinerados acicalándose con un esmero narcisista y casi femenino.

Por aquel entonces, ese "pensamiento triste que se baila" de incierto origen, llamado tango, comenzaba a hacer furor en París. Sus intérpretes más destacados viajaban al continente y regresaban con los bolsillos a rebosar. Carlos, a quien le gusta el canto casi tanto como la "guita", cambia las final de su apellido por una l y prueba fortuna en algunos cafés de los barrios periféricos bonaerenses, en los que se presenta con el sobrenombre de "El Morocho"; ante la sorpresa de propios y extraños, manifiesta una aguda sensibilidad y un temperamento artístico completamente original.

Su interés y sus aptitudes lo inclinan hacia el tango canción o tango con letra, escasamente cultivado hasta ese momento. En efecto, el tango estaba por entonces culminando su proceso evolutivo que lo había llevado de ser una música alegre (en compás de dos por cuatro y de origen posiblemente cubano) que se bailaba de forma un tanto procaz en las fiestas de las clases populares de Buenos Aires, a convertirse en un lamento cantado, una música nostálgica y desgarrada que los porteños acomodados habían aprendido a admirar y a bailar y que Gardel estaba destinado a dar a conocer en todo el mundo.

Cuando en 1915 forma pareja con José Razzano, intérprete de tangos que ya goza de alguna fama, ninguno de los dos sospecha que en pocos años van a convertirse en ídolos tanto de los entendidos como de un amplio sector de público. Fue a raíz de una apoteósica actuación en el teatro Esmeralda de Buenos Aires, en 1917, cuando el personal estilo de interpretar el tango de Carlos Gardel caló hondo en el público porteño y dio al dúo Gardel-Razzano una fulminante celebridad.

El tándem se mantendrá hasta 1925, año en que Gardel debió partir solo hacia Europa. José Razzano, aquejado de una enfermedad en la garganta, había decidido abandonar el canto. Esta desgracia de su compañero significará, no obstante, la fama internacional para Gardel. Tres años después de cruzar el Atlántico, escribe a Razzano: "La venta de mis discos en París es fantástica; en tres meses se han vendido setenta mil". Bing Crosby, Charles Chaplin y Enrico Caruso se deleitan con canciones como "Mi noche triste", "Volver" o "No habrá más penas ni olvido".



Si grande había sido el éxito de Gardel en París, no lo fue menos en España. Gardel debutó en solitario en 1925 en el teatro Apolo de Madrid y en el teatro Goya de Barcelona el 5 de noviembre de ese mismo año. Tal fue el recibimiento y cariño que el público le brindó en la capital catalana al "zorzal criollo", como también se lo llamaba, que hizo de ella su centro de operaciones para sus giras europeas, no obstante sus largas estancias en París. En "Che, papusa, oí" canta Gardel: "Trajeada de bacana, bailás con corte / y por raro esnobismo tomás prissé", acaso evocando las fiestas al estilo parisino que ofrecía por esa época la aristocracia barcelonesa, con esmoquin, champán francés y cocaína o plis o plissé, como llamaban a esta droga.

La voz, la estampa y la simpatía de Gardel arrollaban, especialmente entre las mujeres. Reveladora es la entrevista "a la sombra de Gardel", que salió publicada en Tango Moda, en 1929. La sombra era una bella francesa que seguía al ídolo por todas partes después de haberlo visto actuar una vez en el cabaret de Florida de París. "Cuando por la noche me retiro a mi cuarto del hotel, doy por muy bien pagados mis esfuerzos si le he oído cantar tres o cuatro canciones", confesaba esta admiradora incondicional. Sus películas, como Flor de durazno, rodada en Argentina en 1917, Luces de Buenos Aires y Cuesta abajo, en Francia en 1931 y 1934, y Tango Bar, en Estados Unidos en 1935, además de Melodía de arrabal, El tango en Broadway, El día que me quieras y Cazadores de estrellas, entre otras, contribuyeron a incrementar su fama, gracias a su magnífica voz y a su fascinante personalidad.

Su forma de cantar los pequeños dramas existenciales de sus tangos va a significar una revolución. Nadie es capaz de imitar el fraseo de Gardel ni su habilidad para metamorfosearse en los personajes de sus canciones. Además, su figura simpática, mezcla de pícaro y castigador siempre bien vestido y repeinado, se convierte en un modelo para los porteños. Ahora es un triunfador nato, modelo de "el que llegó", un mito rioplatense admirado por los hombres y adorado por las mujeres.

A pesar de esta imagen, Gardel fue en la intimidad un hombre tortuoso, retraído y contemplativo, atenazado por una oscura tristeza y víctima fácil del abatimiento. En cuanto a su vida sentimental, confesaría que nunca se había enamorado de mujer alguna, "porque todas valen la pena de enamorarse y darle la exclusividad a una es hacerle una ofensa a las otras".

En 1934, después de haberse paseado en olor de multitud por escenarios de Europa y Estados Unidos, Carlos Gardel inició una gira por toda Hispanoamérica provocando el delirio. Los teatros se llenaban de un público rendido al cantante argentino, que lo aclamaba y lo continuaría aclamando hasta después de su muerte.

El 24 de junio de 1935, cuando se encontraba en la cúspide de su fama, el cantor murió en un accidente de aviación cuyas causas nunca se han aclarado, al menos no para los millones de apasionados del tango que en todo el mundo entonces lloraron la muerte de su ídolo y aún hoy hablan de él en tiempo presente. Gardel viajaba de Bogotá a Cali en un F-31 de la compañía Saco. Hecha escala en Medellín, el avión recorrió la pista para alzar el vuelo, pero apenas había despegado se precipitó a tierra, chocando con otro avión alemán que esperaba en la cabecera de la pista.

Un velo de misterio rodeó el suceso. Corrieron rumores acerca de un tiroteo entre Gardel y uno de sus acompañantes, con el piloto del aparato como víctima inocente e involuntario causante de la tragedia. Sin embargo, y según el testimonio de los dos únicos pasajeros que lograron salvarse de los veintiuno que viajaban en el vuelo, la verdadera causa del accidente parece haber sido el fuerte viento reinante que hizo que el piloto perdiera el control del trimotor en el momento del despegue.

A la confusión del accidente se sumaría después la leyenda de un cantor encapuchado cuya voz sorprendía por su parecido con la de Gardel; muchos afirmaron que el ídolo se había salvado y seguía cantando, pero no deseaba mostrar su rostro totalmente desfigurado; a ser eso cierto, el cuerpo velado por las multitudes en el estadio del Luna Park no habría sido el suyo. Pero es su espíritu lo que cuenta: un mar de melancólicos lo lloró entonces y siguió lamentando la pérdida de la voz más triste y cálida que el tango ha dado nunca.